Виды ордеров

Самой древней разновидностью ордера является дорический,позже появляетсяионический ордер.

Дорический ордер развивался в основном на Пелопоннесе и в западных районах греческого мира (Сицилия и Великая Греция), ионический — в Аттике и в восточных районах Средиземноморья (Малая Азия, острова Эгейского моря). На формы дорического стиля оказала влияние микенская архитектура, на формы ионического стиля — архитектура стран Передней Азии (Финикии, ахеменидского Ирана).

Дорическая архитектура отличалась простотой и мужественностью своих форм,ионическая (женственная) — легкостью, стройностью, изяществом и относительно большей декоративностью. Названные выше ордерные части применялись в обоих стилях и различались лишь в деталях.

Так, в дорическом стиле колонны не имели баз, а ставились прямо на стилобат, капители были очень просты и состояли из квадратной плиты (абака) и поддерживающей ее круглой подушки (эхина); фриз делился на прямоугольные, слегка выступающие части (триглифы) и находившиеся между ними квадратные доски (метопы).

В ионическом стиле колонны имели профилированные базы; капитель включала спиралевидной формы волюты, фриз был гладким в виде ленты (зофорный фриз).

Волюта архитектурно-декоративная деталь и форме завитка. Входит в состав ионической и коринфской капителей

Кроме того, греческие колонны обычно имели двадцать желобков – каннелюр. Зрительно каннелюры облегчали вес массивных опор и подчеркивали устремленность кверху.

Оба стиля возникли еще в деревянно-сырцовых постройках, и позднее формы их были переведены, лишь с небольшими изменениями, в камень.

В конце V в. до н.э. возникает коринфский ордер («девический»), пропорции которого уподоблялись девическому телу.

Постепенно зодчие стали выбирать разновидность ордера в зависимости от пола, духа и олимпийского авторитета божества.

Ордерная система, оправданная конструктивно и архитектурно, оказалась очень устойчивой и была использована без существенных изменений строителями последующего времени. Она менялась лишь в отношении пропорции и в прорисовке деталей.

Греческие храмы начиная со второй половины 7 в. до н. э. строились из отдельных блоков камня, хорошо притесанных друг к другу и уложенных без применения раствора.

К числу ранних сооружений дорического стиля следует отнести храм Геры в Олимпии (конец 7 — начало 6 в. до н. э.). Он имел сильно вытянутую с запада на восток целлу, обрамленную со всех сторон сравнительно невысокими колоннами, что создавало впечатление длинной приземистой постройки. Верхняя часть стены целлы была выложена из кирпича-сырца. Количество колонн составляло: на главном фасаде — 6, на боковых — 16. Колонны сперва были деревянными и постепенно, в течение столетий, но мере ветшания, заменялись каменными.

Если в дорической архитектуре наиболее распространенным типом сооружения был периптер, то в ионическом зодчестве строились главным образом диптеры. Примером архаического сооружения, построенного в 7 в. до н. э, в ионическом стиле, может служить храм Геры на острове Самосе — большой диптер с деревянными колоннами вокруг целлы, перестроенный позднее в камне.

Архитектура 6 в. до н. э. По всей Греции в этом столетии было сооружено множество храмов дорического и ионического стилей, некоторые из них были огромными для того времени по размеру зданиями. Развитие строительной техники позволило повсюду переходить от строительства храмов из сырцового кирпича н дерева к возведению их из камня.

Храмы украшались скульптурой из камня; фронтоны, метопы, фризы показывают быстро развивающееся мастерство скульпторов. Появляются фронтоны со сложными многофигурными построениями, и постепенно художники добиваются удачного решения труднейшей задачи — размещения многофигурной композиции в треугольном поле фронтона. Архитектурные детали и скульптурные украшения ярко раскрашивались главным образом в синий и красный цвета; раскраска придавала зданию особенно нарядный вид.

В 6 в. до н. э. был построен больших размеров храм Аполлона в Коринфе — типичное архаическое сооружение (6 X 15 колонн), от которого сохранились семь угловых монолитных колонн. Пропорции колонн тяжелые, капители имеют утрированно большой вынос.

К первой половине 6 в. до н. э. относятся архаические храмы Селинунта (на южном побережье острова Сицилия). Из них наиболее типичным является так называемый храм «С» — характерный архаический храм, удлиненный в плане, с очень узкой однонефной целлой. Тяжелым кряжистым колоннам с громоздкими капителями соответствовал высокий массивный антаблемент. Передний портик храма был более глубокий, чем задний.

Первой половиной 6 в. до н. э. датируется храм Геры (I) в Пестуме (9Х 18 колонн). Нечетное количество колонн, девять на главном фасаде этого здания, и целла, разделенная на два нефа одним рядом колонн, расположенных по оси сооружения,— типично архаические признаки.

Необычайно широкий главный фасад заставлял ученых сомневаться в наличии фронтонов, которые казались бы слишком широкими и тяжелыми. Предполагалось, что это не храм, а общественное здание — базилика. Однако эта гипотеза оказалась несостоятельной — это был храм с обычным двускатным покрытием, но тяжеловесных, архаических пропорций. Форма колонн своеобразна: верхний их диаметр значительно уже нижнего, громоздкие капители имеют необычайно большой вынос.

В архаической архитектуре Греции пропорции отдельных сооружений, и в частности колонн, очень сильно колебались в различных сооружениях. Если колонны храма Геры в Олимпии отличаются невыразительностью очертаний, вследствие относительно небольшой разницы между нижним и верхним их диаметрами, то в храме Геры (I) Пестума это различие приобретает уже несколько утрированный характер.

Если архаическая архитектура дорического стиля известна нам по большому количеству сооружений, полностью пли частично сохранившихся, то из памятников ионического стиля ни один не дошел в таком состоянии, чтобы мы могли его рассматривать в целом виде.

Для крупных храмов дорического стиля была характерна форма периптера, для ионических же — форма диптера. Небольшим сооружениям придавались очертания дистиля.

Самыми значительными ионическими храмами 7—б вв. до н. э. были храмы Артемиды в Эфесе, Геры на острове Самосе и Аполлона в Дидимах близ Милета (так называемый Дидимейон). Все эти храмы были почти полностью перестроены позднее, в эллинистическое время.

Наиболее полное представление на основании археологических раскопок можно составить об архитектуре храма Артемиды в Эфесе. Это был большой динтер (75 X 42 м в плане) с очень своеобразно решенными колоннами, которые имели сильно развитые капители со свисающими вниз волютами и широкие пояса над базами, украшенные рельефными фигурами. Храм был построен так же, как и современные ему диптеры, из мрамора, который начал использоваться в иониической архитектуре раньше, чем в архитектуре дорического стиля. Известные нам по незначительным фрагментам детали архитектурно-художественной отделки храма Артемиды в Эфесе недостаточны для того, чтобы полностью, во всех подробностях, представить себе это сооружение.

Мрамор начал использоваться в иониической архитектуре раньше, чем в архитектуре дорического стиля.

Примером архаической постройки ионического стиля небольшого размера может служить так называемая сокровищница сифнойцев (пли сифносцев) — жителей острова Сифнос, построенная ими в Дельфах и представляющая собой храм антового типа. В ней, так же как и в других сокровищницах, содержались дары, посвященные Аполлону. Между антами сокровищницы находились две опоры, решенные скульптурно в виде женских фигур — кариатид, стоящих на пьедесталах и своими головами поддерживающих капители, на которые, в свою очередь, опирается антаблемент с зофорным фризом. Применение человеческих фигур в качестве опор (атлантов или кариатид) было редким в греческой архитектуре.

Сокровищница сифносцев, будучи своеобразной постройкой, является первым известным случаем применения мотива кариатид в Греции.

Уже в ранних греческих храмах выразилось преобладающее стремление греков к гармонии, соразмерности всех элементов архитектурного сооружения, к подчинению материала и техники определенной идее. По представлению древних, храм был не только жилищем божества, но и общественным зданием и, главное, воплощением их трезвого взгляда на мир, их формирующегося сознания превосходства эллинской культуры над всеми другими культурами.

Из архитектурных сооружений Древней Греции времени перехода от архаики к классике (конец 6 — начало 5 в. до н. э.) следует выделить три храма — так называемую сокровищницу афинян в Дельфах, храм Геры (II) в Пестумо и храм Афины на острове Эгина.

Сокровищница афинян в Дельфах представляет собой небольшой храм антового типа дорического стиля, возведенный из мрамора. Ордер по своему изяществу предвосхищает уже классический период.

Изобразительное искусство.Греческое архаическое искусство (7—6 вв. до и. э.) заложило основу будущего расцвета классического искусства, сыгравшего столь значительную роль в развитии мировой художественной культуры.

Все виды искусства получают в архаический период быстрое развитие — архитектура, скульптура, живопись, прикладное искусство. Заложенная еще в 9—8 вв. до н. э. основа греческого искусства, а именно стремление к реалистическому воплощению действительности, интенсивно развивается в архаический период.

Поиски более убедительной формы, выражающей эстетический идеал прекрасного, сильного, здорового телом и духом гражданина полиса, характеризуют искусство архаики.

Творческие усилия художников 7—6 вв. до н. э. направлены на овладение правильным построением фигуры человека, его пластической анатомией, передачей движения. Правда, последняя задача была наиболее трудной. Архаическим мастерам удавалось запечатлеть только позу, изображающую то или иное движение. Но полной иллюзии человека в движении искусство смогло добиться лишь в середине 5 в. до н. э.

Большое влияние на развитие искусства, в частности пластики, оказало искусство Египта и Передней Азии, в частности ассирийское, более совершенное по сравнению с греческим архаическим. Греческие художники заимствуют сначала композиционное построение, трактовку одежды и прически, но используют эти приемы для создания своих чисто греческих образов.

В художественной жизни Греции 7—6 вв. до и. э. особенно выделяются Коринф и Сикион на Пелопоннесе, Беотия и Аттика в Средней Греции, малоазийские города — Милет, Эфес, Клазомены.

Знаменитые общегреческие святилища, такие, как Дельфы, Олимпия, не были центрами художественной деятельности, но там в эти века строилось много храмов и находилось огромное число разного рода посвятительных памятников — статуй и статуэток, рельефов, расписных ваз.

Скульптура 7 в. до н. э. Наиболее типичными образами архаической пластики являлись юношеская обнаженная атлетическая фигура — курос и женская одетая — кора. Так могли изображаться и простые смертные, и боги, и богини. Эти образы сохраняют свое место в греческом искусстве во все последующие столетия, лишь видоизменяясь в стиле.

Первые шаги в развитии монументальной греческой скульптуры были сделаны во второй половине 7 в. до н. э. на острове Крит, где, по преданию, работал когда-то легендарный скульптор Дедал.

Наиболее ранние критские статуи из храма в Дреросе, изображающие Аполлона, Артемиду и мать их Лето (Кандия, музей), невелики но размеру (0,60—0,80 м) и представляют собою наиболее характерные типы греческой круглой пластики, монументальные и малых форм 7—6 вв. до и. э.— куроса и кору.

Статуи сделаны из тонкого медного прочеканенного по частям металлического листа, набитого когда-то гвоздями на деревянную основу.

Фигура Аполлона, еще не вполне правильная в пропорциях (большая голова, короткий, как бы срезанный снизу корпус), не лишена, однако, некоторой подвижности благодаря слегка отставленным от корпуса рукам и выдвинутой вперед правой ноге. Большие глаза, некогда инкрустированные блестящим камнем (кварц), и легкая улыбка оживляют его лицо.

Женские фигуры с прижатыми к бокам руками в длинной, без обозначения складок, плотно прилегающей одежде выглядят столбообразными и статичными; пластически выделена только грудь и резко очерчена линия талии.

В 7 в. до н. э. наряду с каменными постройками создаются и каменные статуи, сначала из более мягких пород известняка, позже из мрамора.

Такова мраморная, больших размеров статуя, посвященная бо-гине Артемиде жительницей острова Наксоса Никандрой. Этот остров — старейший после Крита центр, где появилась монументальная скульптура. В статуе Никандры можно угадать процесс работы мастера: сначала он обтесал прямоугольный мраморный блок, вероятно, исходя из традиционной деревянной заготовки. Из такого блока потом вырубил фигуру, но первоначальная «четырехфасадная» форма все-таки отчетливо выступает в готовом произведении, отчего и получалась фигура скованная и неподвижная с формами плоскими и жесткими.

Одинаковый технический прием использовал и скульптор, создавший надгробную стелу братьев Дермилоса и Котила из Танагры в Беотин конца 7 в. до н. э. (Афины, Национальный музей). В композиционном решении фигуры художник следовал египетским образцам и в постановке фигур с выставленной вперед ногой и в изображении волос, падающих двумя плотными прядями на плечи и грудь. Однако в противоположность египетским мужским статуям юноши изображены обнаженными. Скульптор хотел показать братьев, обнимающих друг друга за плечи, но совершенно не справился с такой трудной задачей: рука одного из юношей, как бы отрезанная от фигуры, лежит на плече другого.

О быстром успехе в пластической трактовке фигуры, более правильном и пропорциональном построении свидетельствуют скульптуры аттической работы рубежа 7 и 6 вв. до н. э.: статуя обнаженного юноши (Нью-Йорк, Метрополитен-музей) и колоссальный курос с мыса Сунион (Афины, Национальный музей).

Атлетическое строение юношей подчеркнуто очень широкими плечами, сильными крепкими ногами, но корпус и бедра непропорционально узки, что особенно ясно выступает при взгляде на статуи в фас или со спины, в профиль корпус выглядит достаточно округло и объемно.

Такое построение фигуры обусловлено в значительной мере приемом работы скульптора — также предварительным приготовлением прямоугольного блока камня, что не дает возможности изобразить фигуру с приподнятыми руками или с более широко раздвинутыми локтями. Граница линии груди, живота, лопаток, колен резко подчеркнута, что говорит об успехах в овладении пластической анатомией.

Лица архаических статуй трактованы большими гладкими плоскостями, особенно характерны рисунок сильно выпуклых глаз и своеобразная чисто декоративная обработка прически в виде разных рядов округлых выпуклостей.

Главной задачей греческой пластики в течение 7 в. до н. э. становятся поиски гармоничной пропорциональности фигур, особенное внимание к передаче анатомического строения.

В 6 в. до н. э. плоскостность фигур предшествующего периода сменяется объемностью, округлостью форм: более свободно становится движение. Все больше внимания уделяется моделировке лица и прическе.

В начале 6 столетия до н. э. на Пелопоннесе образ куроса господствует в мастерских ,где художники продолжают работать над решением пропорционального построения, соотношения частей фигуры, пластической анатомией. Ярким примером изображения атлетической фигуры начала 6 в. до н. э. являются статуи Клеобиса и Битона (Дельфы, музей), превосходной работы Полимеда Аргосского, помещенные некогда в Дельфийское святилище.

Образ атлета, сильного и тренированного, обладает большой художественной убедительностью. Пластический подход ясно чувствуется в построении головы, корпуса с очень широкими плечами, в напряженности мускулов руки и ног, но мышцы живота и коленные чашечки подчеркнуты только графически. В трактовке лица, волос видна традиция дедалического искусства. Влияние египетского канона выступает и в общем композиционном решении фигур и в трактовке деталей. Однако это уже типично греческое произведение. Легкая улыбка придает образу жизнерадостность молодости.

Широко известная статуя куроса из Тенен, так называемый Аполлон Тенейский, относится к 550 г. до н. э. и показывает следующий шаг в развитии типа куроса; фигура стройнее, легкая и более гибкая, мягче передана мускулатура, пластичнее выявлены формы лица. Но декоративно трактованная прическа, сильно выпуклые глаза и условная улыбка остаются прежними.

На островах Эгейского моря, где в 6 в. до н. э. процветала мраморная скульптура, ставились несколько иные художественные задачи, чем в мастерских Пелопоннеса.

Работы над задрапированной фигурой и первые попытки передать в круглой скульптуре сильное движение видны в таких произведениях, как статуя богини Геры из Самоса и летящая Нике с острова Делоса. Культовая статуя Геры — типичная композиция для такого рода женских статуй, снизу до пояса изваяна в виде круглого столба; пластически промоделированы лишь плечи, грудь, руки. Складки хитона строго параллельны, обозначены гравировкой, складки плаща, сделанного из толстой ткани, более крупные, но также плоские и расположены декоративно, не согласуясь с формами тела. Разной трактовкой складок художник хотел передать фактурность ткани.

Статуя крылатой Нике (Афины, Национальный музей), которую до недавнего времени приписывали скульптору Архерму, показывает смелую попытку передать полет. Изобразив богиню на высоком пьедестале и в условной позе коленопреклоненного бега с поднятой рукой и поднятыми крыльями, художник, для того чтобы фигура казалась парящей в воздухе, прикрепил фигуру к базе, используя складки хитона так, что ноги не касались базы.

Решая труднейшую задачу изображения полета, мастер не отнесся с такой же заботливостью, как пелопоннесские мастера, к построению фигуры: чересчур большая голова (может быть, в расчете на постановку на высокий камень), короткий корпус, плоскостность форм сделали фигуру богини неуклюжей, что, впрочем, не мешало общему впечатлению полета. Мощные, загнутые вверх крылья дополняли образ.

Своеобразную картину развития пластики мы наблюдаем в третьей художественной области — Аттике. В 6 в. до н. э. Афины превращаются в большой культурный центр.

В Аттику приглашались для работы мастера с островов Эгейского моря и малоазийских городов. Художники с островов Хиоса, Эгины, Наксоса оставили в Аттике и свои произведения и своих афинских учеников.

В результате раскопок на Акрополе был найден ряд выдающихся скульптурных произведений. Эти статуи после разорения в 480 г. до н. э. персами Афин были использованы в середине 5 в. до и. э. как укрепления под фундаменты новых построек. Переложенные щебнем и песком, скульптуры сохранили всю свою раскраску до наших дней.

Особенным мастерством отличается большая группа женских статуй, выполненных в течение второй половины 6 в. до н.э. Наиболее ранняя работа аттического мастера «Кора в пеплосе» еще напоминает «четырехфасадные» скульптуры, но лицо молодое, сияющее улыбкой, свидетельствует о развитии реалистического образа, как и голова афинянина. Это характерный для аттической скульптуры тип лица: круглое, с хорошо выявленными скулами и подбородком, с широким лбом и большими выпуклыми глазами.

Под влиянием искусства восточных греческих городов одежда на аттических скульптурах начинает трактоваться иначе. Намечаются первые попытки согласовать складки хитона или плаща с движением фигуры, но главное, что передает мастер, это красивый рисунок многочисленных складок, то мельчайших на хитоне, то легких волнистых на тонкой нижней одежде, то крупных на плаще, края которого свисают зигзагами, образуя рисунок так называемого ласточкина хвоста.

Черты лица кор, например так называемая Большая хиосянка (Афины, Музей Акрополя), созданные руками островных мастеров или местных, под их влиянием, отличаются от аттических удлиненным овалом, острым носом и подбородком и миндалевидными, раскосо поставленными глазами.

Прически их поражают богатством отделки мелких прядей и локонов, уложенных разнообразным манером. Акропольские статуи, выполненные из мрамора, превосходно обработаны; гладкие плоскости слегка полированы, углубления складок, локоны обработаны буравом и резцом. Волосы, глаза, губы раскрашены красным. Одежда украшена пестрой каймой и мелкими узорами синего, красного и зеленого цветов.

Все коры стоят прямо, фронтально, одной рукой церемонно приподнимая хитон, другой протягивают цветок. Коры Акрополя полны изысканной грации, даже некоторой манерности, это изображение девушек аристократического круга.

Метопы. Фронтоны. Зофорный фриз. В 6 в. до и. э., как говорилось выше, храмы стали строить из камня, что позволило ставить фронтоны с многофигурными скульптурными композициями и метопы не терракотовые, а каменные с рельефами.

Сюжетом для храмовой скульптуры служили греческие мифы и гомеровский эпос. Сцены из легенд о богах, о подвигах Геракла, Тезея, героев «Илиады» и «Одиссеи» воплощались в композициях на фронтонах, фризах, метопах.

Древнейшие метопы середины 6 в. до н. э. из Дельф (Дельфы, музей) принадлежали небольшому храмику-сокровищнице, сооруженному городом Сикионом. Это продолговатые плиты (87X58 см) с невысоким рельефом. На одной из них изображен Зевс в виде быка, похитившего Европу. На другой метопе — герои Диоскуры, ведущие стадо быков. Фигуры на этих метопах как бы движутся мимо зрителя. На третьей показан нос корабля, а по бокам два всадника.

В метопах Сикионской сокровищницы нет ни единого композиционного построения, ни общего масштаба фигур, ни одинакового количества действующих фигур, что необходимо для синтеза архитектуры и скульптуры. Только позже, к середине 5 в. до н. э., была достигнута такая согласованность. Метопы Сикионской сокровищницы пластически не выразительны, контуры жестки, трактованы декоративно.

Метопы из храма в Пестуме ил. 223 (юг Италии), датируемые 560 г. до н. э., посвящены подвигам Геракла и свидетельствуют о поисках новых композиционных решений. Особенно удачно вписалась в квадратное поле фигура Геракла с двумя карликами-пигмеями на плечах.

Труднейшей задачей расположения многофигурной композиции является треугольное поле фронтона. Лишь постепенно, в течение 6 в. до н. э., художники добиваются почти равномасштабности фигур, выделяют центр композиции и заполняют изображением углы.

Фронтон (около 585 г. до н. э.) небольшого дорического храма на острове Керкиры совсем плоский, мало промоделированный, далекий еще от пластического совершенства.

Исполнен он инструментами, служащими для резьбы по дереву — пилой, резцом, круглым долотом.

Ввиду того, что шов каменных плит прошел по самой середине фронтона, фигуры разместились не очень удачно: гидра заняла всю правую половину фронтона, а все остальное выполнено на отдельных досках, и швы перерезают фигуры (Корфу, музей).

В центре фронтона помещена огромная фигура Горгоны в схематической позе так называемого коленопреклоненного бега. По сторонам ее, занимая большую часть фронтона, две пантеры, а по углам — сцены битвы богов с гигантами.

Композиция распадается на три части и тематически и масштабно. Фигуры к углам резко уменьшаются в размерах, таким образом главный мифологический персонаж Зевс оказался крошечным по сравнению с демоном — Медузой.

Декоративно фронтон решен удачно, но единство действия из-за резкого различия масштаба фигур мастеру еще не удалось.

Рельеф храма Керкиры невысокий, слабо промоделированный, значительную роль в нем должна была играть раскраска.

О развитии фронтонной композиции наглядное представление дают несколько богато раскрашенных фронтонов с храмов Акрополя в Афинах, где ясно видны поиски более убедительных решений. Одним из самых ранних фронтонов (560 г. до н. э.) является фронтон из известняка «пороса» со сценой борьбы Геракла с гидрой (Афины, Национальный музей).

Особенно интересны фрагменты угловых фигур фронтона одного из храмов Акрополя (около 550 г. до н. э.), изображающие справа трехголовое чудовище бури — Тифона со змеиным хвостом (Афины, Музей Акрополя) и слева — Геракла в борьбе с морским чудовищем Тритоном с рыбьим хвостом. Эти расписные группы дают пример удачного, не нарушающего смысла заполнения углов.

Очень интересно цветовое решение голов Тифона: синие волосы и бороды, зеленые глаза, черные брови. Мастер обращает особое внимание на пластическое выявление структуры черепа и корпуса, хотя форма глаз, улыбка, рисунок волос, борода полностью архаичны и носят условный характер.

В эпоху архаики одной из самых высокоразвитых областей искусства стала вазопись. Были созданы тысячи мастерских для формовки и росписи различных сосудов (амфор, кратеров и др.), которые использовались по разному назначению, от смешивания вина с водой до хранения женских украшений.

Вазопись в первой половине VI в. до н.э. процветала в Коринфе, в котором были популярны росписи в восточном стиле. Вазы этого стиля приходят на смену геометрическим, и в них геометрический рисунок сменяется изображенными образами животных (львов, леопардов пантер). Для коринфской керамики изготовленной из красивой глины кремоватого оттенка характерны фризы животных. На светлом фоне иглины черные фигуры не выделялись слишком резко, контуры были процарапаны, а силуэты подцвечены пурпуром (это так называемый чернофигурный стиль).

Вскоре появляется новая техника рисунка. Художники стали изображать человека в одежде, а одежду в мелких складках, узоры каймы, тонкие пряди волос и мелкие локоны.

Впервые эта техника встречается на вазах, сделанных в мастерской аттического мастера Андокида, где работали первоклассные рисовальщики. Некоторые вазы Андокида исполнены двумя приемами: с одной стороны ваза имеет роспись черно-фигурную, с другой — краснофигурную.

Мастера вазовой росписи последней четверти 6 в. до н. э. также разрабатывают мифологические темы, и в этих сценах мы можем искать отзвук монументальных композиций. Новым в работах аттических художников этого времени является широкое распространение жанровых сюжетов — сцены пира, пляски, игры музыкантов, сцены палестры. Главным действующим лицом становится обнаженный атлет, мальчик-слуга или музыкант, молодые, одетые в пышные хитоны музыкантши и танцовщицы.

Одним из сильнейших аттических художников конца 6 в.— начала 5 в. до н. э. по праву считается Евфроний. Его знаменитая роспись на кратере «Борьба Геракла и Антея» (Париж, Лувр) носит подлинно монументальный характер. Сцена полна огромной эмоциональной силы. Главные фигуры охарактеризованы очень ярко: греческий герой Геракл с тонкими чертами лица, красиво уложенными кудрями и гибким, сильным, тренированным телом противопоставлен грубому, дикому Антею с косматой гривой волос. Образ Антея в трактовке Евфрония выступает воплощением варварской силы.

Евфроний создает новые, более реалистические, чем в чернофигурных росписях, образы, уделяя большое внимание анатомии человека.

В вазописи орнаменту уделяется меньше места, чем сюжетным изображениям. Складываются стили вазописи: 1. Ковровый; 2. Чернофигурный; 3. Краснофигурный. В краснофигурных вазах мифологические сюжеты уступают место жанровым сценам. До нас дошли имена некоторых мастеров вазописи: Евфроний, Евфимид. Расцвет искусства вазописи приходится на VII-VIвв. до н.э.

 

Основные термины искусства:

Архитектоника – соразмерность художественных произведений.

Кариатида – женская статуя, поддерживающая перекрытие.

Кейсоны – квадратные углубления на потолках, сводах, куполах.

Орхестра – сцена в древнегреческом театре.

Театрон – места для зрителей в театре.

Наос – центральная часть древнегреческого храма, где находилась статуя божества.

Пальметта – скульптурно-декоративный орнамент в виде стилизованного листа.

Аканф – стилизованное растение.

Искусство периода классики Древней Греции

 

Расцвет Афин в середине V века до н.э. неразрывно связан с деятельностью Перикла, который в течении 15 лет руководил городом (444-429 гг. до н.э.). Около него группировалась интеллектуальная элита: люди искусства и науки (поэт Софокл, архитектор Гипподам, «отец истории» Геродот), знаменитые философы. На склонах Афинского Акрополя в театре Диониса представляли трагедии Эсхила, Софокла, эврипида, комедии Аристофана.

В период классики греки занимались фресковой живописью на мифологические и героические сюжеты. Время не сохранило работ, но дошли имена мастеров – Полигнот, Апполлодор.

В краснофигурной вазописи фигуры изображаются в сложных ракурсах (мастера Евфросий, Дурис, Бриг). К концу V в. до н.э. вазопись приходит в упадок, теряя индивидуальность и превращается в ремесло.

В этот период дальнейшее развитие получает ордерная система. Складываются следующие основные типы греческих храмов:

1. храм в антах

2. простиль

3. амфипростиль

4. периптер

5. диптер

6. псевдопериптер

7. толос (ротонда)

 

Ранняя классика (первая половина V века)

Развиваются скульптура и архитектура как взаимодополняющие виды искусства. Наблюдается постепенный переход от архаической скованной скульптуры к классической, выражающей «олимпийское спокойствие», сдержанность, торжественность (скульптура Дельфийского возничего, 476г. до н.э.). Существовала и монументальная живопись, которая до нашего времени не сохранилась. Храмы также расписывались, были цветными. Самый известный храм этого времени – храм Зевса в Олимпии (470-456 гг. до н.э.).